Speech by Sandra Hüller at the opening of Ludwig Rauch's solo exhibition "Portrait and Abstraction" at Museum der bildenden Künste, Leipzig, Oct.12.2022
https://mdbk.de/ausstellungen/ludwig-rauch-portrait-and-abstraction/
Good evening, everyone.
It is wonderful to see you here at the Museum der Bildenden Künste in Leipzig for the opening of Ludwig Rauch's exhibition "Portrait and Abstraction".
I know that this evening is a special one for Ludwig and that this exhibition venue here in Leipzig is also something special for him. The reason for this is that many things began here for Ludwig Rauch, the human, and for Ludwig Rauch, the artist.
First and foremost: his life, in the Leipzig gynecological clinic not far from here. He grew up in Thuringia and Berlin, but it was here that his career, with all its talents and hopes, but also all its pitfalls and obstacles, began: He studied photojournalism at the University of Leipzig and later photography at the Academy of Visual Arts under Arno Fischer. Leipzig schools in the plural, so to speak. And the latter two actually tell the story of Ludwig's path, which I would like to tell you a little bit about because it is part of this exhibition: the path from photojournalist to artist.
Some lives and some careers unfold like a long, quiet river. One thing follows another, one station after another, one stone building on another.
Then, in other lives, there is that one moment that changes everything. Or, in Ludwig's case, that one picture. He showed it to me. It's a portrait of the Karl Marx Brigade of VEB Elektrokohle Berlin. At the age of 26, Ludwig spent six months photographing the men of the Karl Marx Brigade at Elektrokohle for the magazine NBI. Men working with century-old machines, with cardboard masks over their mouths, struggling against heat and dust to meet standards. When he showed his clients the pictures he had taken with all his enthusiasm and empathy, he was met with horror. His pictures were seen as provocative.
The equipment was too shabby, the machines too old, the rooms too dark, the faces too strained, the whole thing too dirty, too real, too close. They were not approved for publication, and the photographer, who apparently had such a sobering view of the socialist world of work, was permanently banned from publishing in any journalistic media in the GDR.
This was the first time that Ludwig Rauch developed what would become a lifelong artistic theme:
I see what you don't see.
Reality has many forms. Most of it is created in our heads. Everyone sees what they can see, what they want to see, what they need to see.
Even then, Ludwig was fascinated by the visual arts. Art was granted what photography was often denied.
Even then he envied artists. Painters, sculptors, writers and actors, for the opportunity to create their own world and their own image of the world. For the freedom of subjectivity, for the joy of creating with colours and forms, for the gift of independence from supposed truths.
In order to get closer to art, he portrayed artists, visiting hundreds of them in their studios all over the world, some of whom have a connection with Leipzig.
He often wondered whether it was possible to see their art in their faces, and how it was possible to capture something in their portraits: from the art they created, or from their drive, their knowledge, their suffering. Ludwig tried: the homelessness of Klaus Hähner Springmühl, whom he portrayed in a stairwell on his way to the studio, sleeping bag on his lap. He photographed Via Lewandowski, whose pictures follow strict concepts and are created entirely in his head, like a sculpture with his eyes closed. Rosa Loy, with a huge safety pin on her white painting smock, has the aura of the female figures she creates in her portrait. Arno Rink, who painted his way from realism to surrealism, looks like the magician he was in his late work. Neo Rauch, whom Ludwig has portrayed repeatedly since 1988 and who has become a global star and figurehead in the process, seems to melt into his own image in his latest portrait, smiling softly and wisely.
According to Ludwig, the portraits were his first and eternal access to this world. He admires Sigmar Polke for his willingness to experiment and is fascinated by Gerhard Richter, who paints as if he were being photographed. And early on he asked himself: is it possible to do it the other way round: painting with photography? How would that work?
He immerses himself in chemical processes, blotting and gluing, with resin and threads and foils, experimenting with pigments, with gold dust, as in the work 'The Others' from the 'Black-Red-Gold' series exhibited here - with processes of dissolution in a double sense. And he uses the possibilities of digital photography.
The stubbornness with which some photographers defend analogue tools as the only true instruments and see the use of digital tools as a fall from grace has always amazed Ludwig. For him, the digital possibilities offered a further lifting of boundaries, an increase in the artistic freedom he had always longed for and experimented with. And it allowed him to compose all the photographic memories of decades, the snippets and fragments that remained in his brain and soul, into his images.
Memories are his subject. Neurologists know that memories are not something that lie around in our brains like a photo album in a cupboard that you just have to find and open, and then everything is there again, just as it was. No, memories are resurrected the moment they are recalled. They adapt, they change, they grow or shrink, they bathe things in a warmer light or in horror, depending on the circumstances, they come together again and make sense, often only in retrospect. Ludwig forms his pictures from photographic memories. And then they are suddenly present and sometimes more current than one would like to bear.
The images transcend the boundaries of the medium of photography, the boundaries of logic and the boundaries of the eternal cycle of cause and effect. We see the peace of a water corpse covered with water lilies, we sympathize with a rock face that looks as if it is licking its wounds. We see plants that suddenly dance, wave their arms, have faces and thus a soul. The cheerful bird creatures that go about their business in "Nordic Walking" are not birds at all. They are stems, flowers, somewhat withered, discovered in a theatre. The world is what we see in it. Not only, but also.
Ludwig Rauch's paintings are parallel universes, sometimes heavy, sometimes weightless, multidimensional and sensual. The truth of these paintings does not lie in clear forms or solid bodies. Their truth is the feelings, the visions, even the fears of a moment, the joys of a second, the happiness and the unhappiness, they process our time, all the many fragments of images, information, feelings of a reality that only pretends to be logical, stringent and calculable. And they process our legacies.
We leave traces, even when we don't want to.
And at a time when there is a lot of talk about our footprint, a series like Current Traces is perhaps salutary, perhaps even cheerful. The fact that the pictures almost made themselves may not be something you would normally say, but I am saying it now because it says something about Ludwig's view and about art itself: if you are an artist, you have to want to create, that is true, but even more true: if you are an artist, you have to want to see. You have to take other, sometimes strange, perspectives seriously, you have to look down and back and not always up and forward. You have to make the small big and the big small, so that you can rethink the world, your world, and surprise yourself and your audience.
Ludwig had treated his steel frames with pigmented oil some time ago to prevent them from rusting. And to prevent damage to the studio floor, he had put cardboard underneath. Later he wanted to dispose of the cardboard. And took another look. He discovered that the combination of oil, dirt, and pigment had created stamp-sized landscapes on the light cardboard. See for yourself what happened to it.
Not everything that looks intentional is intentional, and many things that look like chance are not. Whether the blades of grass bend on purpose, as they do in "natural lines" number two, is unknown, as are many other delightful escapades of nature, but the funny curls of the threads with which the vines seek support from others are not unintentional voltes, but part of a plan. Revealing this plan, leaving out all distractions and celebrating it through its staging, is art.
As in real life, omission becomes more important than addition in the latest pictures. The concrete narrative becomes smaller, abstraction and concentration become larger. This brings us to the egg and also to the end of this short lecture: the oval, round and spatial, individual and abstract at the same time, always similar but never the same, has not only the perfect aesthetic. It is a primordial symbol of life, of emergence, of hope for the new, of curiosity about what is to come. One person may be closest to the digital egg, another to the egg that wants to reconcile black and red, another to the egg under ice.
The beauty of these images is that they are only suggestions, and most of them exist only in our imaginations anyway.
But the seahorse is real. It may not live in this gold-encrusted marbled egg, but in the aquarium of the Berlin Zoo, where Ludwig found it after its midday nap, but it may also spread cheerfulness and a feeling of grace and confidence among you.
But that's up to you. Everyone sees what they can see, what they want to see, what they need to see in these pictures and in general.
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Guten Abend.
schön, dass Sie hier sind im Museum der Bildenden Künste in Leipzig zur Ausstellungseröffnung von Ludwig Rauchs „Porträt und Abstraktion“.
Ich weiß, dass dieser Abend für Ludwig ein besonderer ist und dass auch dieser Ausstellungsort hier in Leipzig für ihn etwas Besonderes ist. Und das hat den Grund, dass an diesem Ort einiges begann für Ludwig Rauch, den Menschen, und für Ludwig Rauch den Künstler.
Zuallererst: sein Leben, und zwar in der Frauenklinik in Leipzig, gar nicht weit von hier. Aufgewachsen ist er dann zwar in Thüringen und in Berlin, aber auch sein beruflicher Weg, mit allem Talent und allen Hoffnungen, aber auch mit allen Haken und Widerständen begann hier: Sein Studium der Bildjournalistik an der Uni Leipzig und sein späteres Studium der Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst bei Arno Fischer. Leipziger Schulen sozusagen, im Plural. Und mit den beiden letztgenannten ist eigentlich auch schon der Weg erzählt, den Ludwig gegangen ist und über den ich ein bisschen erzählen möchte, weil er Teil dieser Ausstellung ist: Der Weg vom Bildjournalisten zum Künstler.
Manche Leben und manche beruflichen Werdegänge entwickeln sich ja wie ein langer ruhiger Fluss. Eines folgt eines aufs andere, eine Station nach der anderen, ein Stein baut auf dem nächsten.
Dann gibt es in anderen Leben diesen einen Moment, der alles ändert. Oder, in Ludwigs Fall, dieses eine Bild. Er hat es mir gezeigt. Es ist ein Bild der Brigade Karl-Marx des VEB Elektrokohle Berlin. Ein halbes Jahr hatte Ludwig mit 26 Jahren die Männer der Brigade Karl Marx von der Elektrokohle im Auftrag der Illustrierten NBI fotografisch begleitet. Männer, die mit hundert Jahre alten Maschinen arbeiteten, mit Pappmasken vor dem Mund gegen Hitze und Staub um die Normerfüllung kämpften. Als er seine Bilder, die er mit allem Enthusiasmus und aller Empathie gemacht hatte, den Auftraggebern vorlegte, erntete er: Entsetzen. Seine Bilder wurden als Provokation empfunden. Zu schäbig die Ausrüstung, zu alt die Maschinen, zu dunkel die Räume, zu angestrengt die Gesichter, zu schmutzig das Ganze, zu echt, zu nah. Sie wurden zur Veröffentlichung nicht freigegeben, und der Fotograf, der anscheindend so desillusionierend auf die sozialistische Arbeitswelt blickte, erhielt ein fortdauerndes Veröffentlichungsverbot für alle journalistischen Medien der DDR.
Hier entspann sich zum ersten Mal, was für Ludwig Rauch zum künstlerischen Lebensthema geworden ist:
Ich sehe was, was du nicht siehst.
Die Wirklichkeit, die gibt es vielfach. Sie entsteht zum großen Teil in unseren Köpfen. Jeder sieht, was er sehen kann, was er sehen will, was er sehen muss.
Schon damals hat Ludwig die bildende Kunst fasziniert. Der Kunst wurde zugestanden, was der Fotografie oft verwehrt wurde.
Schon damals hat er die Künstler beneidet. Die Maler, die Bildhauer, auch die Literaten und Schauspieler, und zwar um die Möglichkeit, sich ihre Welt und ihr Bild von der Welt selbst zu erschaffen. Um die Freiheit der Subjektivität, die Freude an der Gestaltung mit Farben und Formen, um das Geschenk der Unabhängigkeit von vermeintlichen Wahrheiten.
Um sich der Kunst zu nähern hat er die Künstler porträtiert, hunderte hat er weltweit in ihren Ateliers besucht, und einige davon mit Leipziger Bezug können Sie in dieser Ausstellung sehen.
Er hat sich oft gefragt, ob man in den Gesichtern der Künstler wohl ihre Kunst erkennen kann, und wie man in den Bildnissen von ihnen etwas aufgreifen könnte: aus der Kunst, die sie schaffen, oder von ihrem Antrieb, ihrem Wissen, ihrem Leiden. Ludwig hat es versucht: die Unbehaustheit des Klaus Hähner Springmühl, den er in einem Treppenhaus porträtierte auf dem Weg zum Atelier, mit seinem Schlafsack auf dem Schoß. Via Lewandowski, dessen Bilder strengen Konzepten folgend, komplett in seinem Kopf entstehen, hat er wie eine Skulptur mit geschlossenen Augen fotografiert. Rosa Loy, mit Riesen-Sicherheitsnadel am weißen Mal-Kittel, hat in ihrem Porträt die Aura der Frauenfiguren, die sie selber erschafft. Arno Rink, der sich vom Realismus zum Surrealismus malte, sieht aus wie der Magier, der er in seinem Spätwerk war. Neo Rauch, den Ludwig seit 1988 immer wieder porträtiert hat, und der in dieser Zeit zum Weltstar und zum Aushängeschild wurde, scheint in seinem jüngsten Porträt, leise und weise lächelnd, endgültig in sein eigenes Bild hineinzuschmelzen.
Die Porträts waren, so erzählt es Ludwig, für ihn ein erster und immerwährender Zugang zu dieser Welt. Er bewundert Sigmar Polke für seine Experimentierfreude und er ist fasziniert von Gerhard Richter, der malt, als wäre es fotografiert. Und er fragte sich früh: geht es auch andersherum: Malen mit Fotografie? Wie ginge das?
Er stürzt sich in chemische Prozesse, er kleckst und klebt, mit Harz und Fäden und Folien, experimentiert mit Pigmenten, mit Goldstaub, wie im hier ausgestellten Werk „Die Anderen“ aus der Serie „Schwarz-Rot-Gold“ – mit Auflösungsprozessen im doppelten Sinne. Und er nutzt die Möglichkeiten der digitalen Fotografie.
Die Verbissenheit, mit der manche Fotografen die analogen Werkzeuge als einzig wahre Instrumente verteidigen und die Nutzung digitaler Werkzeuge als Sündenfall verstehen, hat Ludwig immer wieder erstaunt. Für ihn boten die digitalen Möglichkeiten eine weitere Aufhebung von Grenzen, ein Mehr an künstlerischer Freiheit, nach der er sich immer gesehnt und an der er immer experimentiert hat. Und die es ihm ermöglicht hat, all die fotografischen Erinnerungen von Jahrzehnten, die Schnipsel und Fragmente, die im Hirn und in der Seele hängengeblieben sind, zu seinen Bildern zu komponieren.
Erinnerungen sind sein Thema. Neurologen wissen ja, dass Erinnerungen nicht etwas sind, das fertig in unserem Gehirn herumliegt wie ein Fotoalbum im Schrank, das man nur finden und aufschlagen muss, und dann ist alles wieder da, genau so, wie es war. Nein, Erinnerungen feiern Wiederauferstehung in dem Moment, in dem sie abgerufen werden. Sie passen sich an, sie ändern sich, sie wachsen oder schrumpfen, sie tauchen Dinge in wärmeres Licht oder in Entsetzen, je nach den Umständen, sie finden sich neu zusammen und ergeben, oft erst im Nachhinein, einen Sinn. Aus fotografischen Erinnerungen formt Ludwig seine Bilder. Und die sind dann plötzlich Gegenwart und manchmal aktueller, als man es vielleicht ertragen möchte.
Die Bilder überschreiten die Grenzen des Mediums der Fotografie, die Grenzen der Logik, und die Grenzen des ewigen Kreislaufs von Ursache und Wirkung. Wir sehen den Frieden einer Wasserleiche, die von Seerosen bedeckt ist, wir haben Mitgefühl mit einer Felswand, die aussieht, als ob sie ihre Wunden leckt. Wir sehen Pflanzen, die plötzlich tanzen, die Arme schwenken, Gesichter haben und damit eine Seele. Die fröhlichen Vogelwesen, die in „Nordic Walking“ ihrer Wege ziehen, sind gar keine. Es sind Strielitzien, Blumen, schon etwas angewelkt, entdeckt in einem Theater. Die Welt ist, was wir in ihr sehen. Nicht nur, aber auch.
Ludwig Rauchs Bilder sind Paralleluniversen, manchmal schwer und manchmal schwerelos, multidimensional und sinnlich. Die Wahrheit dieser Bilder besteht nicht in klaren Formen oder festen Körpern. Ihre Wahrheit sind die Gefühle, die Visionen, auch die Ängste eines Moments, die Freuden einer Sekunde, das Glück und das Unglück, sie verarbeiten unsere Zeit, all die vielen Bruchstücke von Bildern, Informationen, Gefühlen einer Wirklichkeit, die nur so tut, als wäre sie logisch, stringent und kalkulierbar. Und sie verarbeiten unsere Hinterlassenschaften.
Wir hinterlassen Spuren, selbst dann, wenn wir es nicht wollen.
Und in Zeiten, in denen viel von unserem Fußabdruck die Rede ist, ist eine Serie wie „Current traces“ vielleicht heilsam, vielleicht auch heiter. Dass die Bilder sich fast selber gemacht haben, erzählt man vielleicht normalerweise nicht, aber ich tue es jetzt doch, weil es etwas zeigt über Ludwigs Blick und über die Kunst an sich: wer Künstler ist, muss schaffen wollen, das ist richtig, aber mehr noch stimmt: wer Künstler ist, muss sehen wollen. Er muss andere Perspektiven einnehmen und ernstnehmen, die manchmal sonderbar sind, er muss den Blick auch mal nach unten richten und nach hinten und nicht immer nur nach vorn und nach oben. Er muss das Kleine großmachen, und das Große klein, damit er die Welt, seine Welt neu denken kann und sich und sein Publikum überraschen.
Ludwig hatte vor einer Weile seine Stahlrahmen mit pigmentiertem Öl bearbeitet, damit sie nicht rosten. Und damit der Atelierboden keinen Schaden nimmt, hatte er sich Pappe untergelegt. Später wollte er die Pappe entsorgen. Und sah nochmal hin. Er entdeckte, dass durch die Kombination von Öl, Schmutz und Pigmenten briefmarkengroße Landschaften auf der hellen Pappe entstanden waren. Sehen Sie sich selbst an, was daraus geworden ist.
Nicht alles, was wie Absicht aussieht, ist es auch und vieles was wie Zufall aussieht, ist am Ende keiner. Ob die Grashalme sich mit Absicht so biegen, wie sie es in „natural lines“ Nummer zwei veranstalten ist unbekannt, und für viele andere entzückende Eskapaden der Natur gilt das ebenso, aber die ulkigen Kringel der Fäden, mit denen die Weinranken Halt bei anderem suchen sind keine absichtslosen Volten, sondern Teil eines Plans. Diesen Plan zu enthüllen, alles Ablenkende wegzulassen und durch seine Inszenierung zu feiern, ist Kunst.
Das Weglassen wird, wie im echten Leben, auch in den neuesten Bildern, wichtiger als das Hinzufügen. Die konkrete Erzählung wird kleiner, die Abstraktion und die Konzentration werden größer. Damit wären wir beim Ei und auch am Ende dieses kleinen Vortrags: Das Oval, rund und räumlich, individuell und abstrakt zugleich, immer ähnlich, aber nie gleich, hat nicht nur die perfekte Ästhetik. Es ist ein Ur-Symbol für das Leben, für Entstehung, für die Hoffnung auf das Neue, für die Neugier auf das, was kommt. Dem einen mag das digitale Ei am nächsten sein, dem anderen das Ei, das Schwarz und Rot versöhnen will, dem nächsten das Ei unter Eis.
Es ist, das ist das Schöne an diesen Bildern, ja nur ein Vorschlag, und das meiste davon existiert ohnehin nur in unserer Vorstellung.
Das Seepferdchen allerdings gibt es wirklich. Es wohnt zwar nicht in diesem goldumfassten marmorierten Ei, sondern im Aquarium des Berliner Zoos, wo Ludwig es nach seinem Mittagsschläfchen aufgestöbert hat, aber es verbreitet vielleicht auch bei Ihnen Heiterkeit und ein Gefühl von Anmut und Zuversicht.
Aber das müssen Sie entscheiden. Jeder sieht ja, in diesen Bildern und überhaupt, was er sehen kann, was er sehen will, was er sehen muss.